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No se puede subestimar la importancia de crear comunidades en el cambiante mundo del arte, impulsado por la tecnología y la explosión de las fichas no fungibles (NFT) en los últimos dos años. Una audiencia es un grupo de seguidores en las redes sociales, pero una comunidad es un grupo de personas que trabajan por un objetivo común.
El economista del mercado del arte y académico Magnus Resch ha investigado ampliamente la importancia de las comunidades y redes para los artistas.
Resch es Doctor en Economía y ha estudiado en la Universidad de St. Gallen, la London School of Economics y Harvard. Además de dar conferencias en Yale, ha elaborado varias publicaciones sobre la economía del mundo del arte. Ha aparecido en revistas académicas y en importantes publicaciones como The Wall Street Journal, The New York Times y Vanity Fair.
Resch habló recientemente con Cointelegraph sobre su último libro, Cómo crear y vender NFT – Una guía para todos los artistasque explora la importancia de crear comunidades significativas para los artistas, y cómo crear y vender NFT compatibles con sus obras de arte.
Cointelegraph: Dr. Resch, ¿hasta qué punto es importante la creación de comunidades para los artistas en el cambiante mundo del arte actual?
Magnus Resch: La comunidad en el mundo del arte es importante para el éxito de cualquier artista, pero estar en la correcta lo es aún más. En uno de mis estudios más recientes, analicé miles de comunidades en el mundo del arte para evaluar su impacto en el éxito de cualquier artista. Los resultados fueron sorprendentes: El 99,9% de las comunidades de artistas no tienen ningún efecto positivo en la carrera de un artista.
Estas comunidades -yo las llamo “redes insulares”- están formadas por museos, galerías, colegas artistas del mismo nivel y fans o simpatizantes. Estos grupos tienen buenas intenciones, pero nunca tendrán un impacto real en el extremo superior del mercado. En cambio, sólo hay una red que conduce al éxito. Para un artista que se esfuerza por tener éxito, el objetivo debe ser formar parte de ella. Yo la llamo la “tierra santa”.
CT: ¿Podría compartir algunas estrategias clave para que los artistas puedan acceder con éxito a esta comunidad que usted llama la “Tierra Santa”?
MR: Mi estudio demuestra que el mundo del arte es un negocio de personas. A quién conoces importa más que lo que haces. A falta de criterios objetivos que definan lo que es “buen arte”, la red interviene para decidir qué es buen arte y qué no lo es. Por eso es tan importante trabajar en red.
Para los artistas, esto significa no pasar todo el tiempo en el estudio. Hay que salir y conocer a la gente adecuada. O dicho sin rodeos, los artistas están solos y tienen que aceptar que son empresarios que dirigen un negocio. La marca, el marketing y la autopromoción son esenciales para su éxito y son más importantes que su arte. Los artistas que esperan ser descubiertos fracasan.
CT: ¿Qué papel desempeñan las redes sociales y las plataformas digitales a la hora de ayudar a los artistas a conectar con su público y fomentar un sentimiento de comunidad?
MR: Las redes sociales son la herramienta de marketing más relevante para los artistas. No pueden confiar en que las galerías hagan el trabajo, ya que la mayoría de ellas forman parte de redes insulares y cierran al cabo de unos años. De hecho, un tercio de las galerías nunca obtienen beneficios.
Entrar en tierra santa es difícil, pues sólo hay unas pocas plazas disponibles al año. Por eso es tan importante crear una marca para los artistas. La forma más fácil de hacerlo es a través de las redes sociales: El 45% de los compradores de arte considera que las redes sociales son el canal más importante para descubrir y encontrar artistas. Las visitas a galerías físicas sólo les siguen en segundo lugar. En mi opinión, cualquier artista que quiera triunfar en el mundo del arte necesita Instagram.
CT: ¿Ha cambiado esto con el auge de las NFT?
MR: En absoluto. Los proyectos de NFT han permitido a los artistas aprender lo que se necesita para salir adelante sin el apoyo de las galerías. Hemos visto que el pilar más importante de cualquier proyecto de NFT es la comunidad. Los proyectos fallidos han malinterpretado la comunidad como “público”.
Una audiencia son los seguidores en las redes sociales. Una comunidad es un círculo cercano, un grupo unido y activo de personas que trabajan por un mismo objetivo. Pueden reunirse en las redes sociales, pero va más allá. Construir una comunidad consiste en crear miembros leales que apoyen la idea de un artista. Creo en un futuro en el que los artistas darán a su comunidad derecho a voto, les permitirán participar en proyectos e intercambiar ideas y bienes. Esto es muy distinto de la audiencia actual, que se limita a dar “me gusta” y seguir, pero no participa.
CT: ¿Puede compartir algunos ejemplos de éxito de instituciones artísticas tradicionales y galerías que han adoptado las NFT y el impacto que han tenido en sus negocios?
SR: Los mayores ganadores del bombo de la NFT fueron artistas digitales como Beeple, Justin Aversano y Jen Stark. El arte digital nunca desempeñó un papel importante en el mercado del arte, siendo el medio menos popular después de la pintura, la escultura y la fotografía. Y de repente, algunos de estos artistas digitales olvidados por el mercado ganaron mucho dinero y vendieron a precios récord. Sin embargo, el verdadero impacto de las NFT aún está por llegar. Las NFT serán la tecnología subyacente para autentificar todas las obras de arte, y no sólo las digitales. Esto cambiará radicalmente la forma de comerciar con el arte. Sin una NFT que demuestre que la obra es real, nadie comprará el cuadro.
CT: ¿Cuáles son las principales implicaciones de las NFT en el mercado del arte?
MR: Hasta ahora, no ha habido ninguna. Estamos sólo al principio de lo que está por venir. Predigo que las NFT tendrán un impacto duradero, que es cuádruple: Los artistas ejercerán más control sobre sus obras y ganarán derechos de autor por las reventas; más coleccionistas poblarán el mercado al ser éste más transparente; a las instituciones les resultará más fácil comprometer a sus comunidades y darles la propiedad mediante la participación y la implicación en la gobernanza. Y, por último, el mercado del arte se regulará mejor y aumentará su valor. Evidentemente, esto no ocurrirá de la noche a la mañana, ya que los cambios en el mundo del arte llevan su tiempo. Tenemos por delante entre 5 y 10 años hasta que las NFT se conviertan en la norma para la transacción y autentificación de las obras de arte.
CT: ¿Puede hablarnos de los errores más comunes que los artistas deberían evitar al entrar en el sector de las NFT y cómo pueden prepararse para tener éxito a largo plazo?
MR: La mayoría de los artistas nunca entrarán en el espacio de las NFT, ya que las NFT no son arte. Y esos JPEG sobrevalorados y respaldados por famosos que a menudo se asocian con las NFT desaparecerán. Ni siquiera creo que dentro de cinco años hablemos del término “NFT”, del mismo modo que ya no hablamos de mp3.
Las NFT son la tecnología subyacente que se utilizará siempre que se negocien obras de arte. En el futuro, no es improbable que el artista registre en la blockchain cada cuadro que salga de un estudio. Así, cuando se comercialice, el artista no sólo obtendrá derechos de autor, sino que también sabrá quién es el nuevo propietario. Esto les permite trabajar de forma más independiente y no depender por completo de las galerías para promocionar o autentificar sus obras. Como consecuencia, los artistas ganarán más por cada pieza que vendan.
CT: ¿Cómo pueden los coleccionistas determinar con eficacia el valor de las obras de arte en el dinámico mercado actual, especialmente con la aparición de las NFT?
MR: La mayor parte del arte no es una buena inversión. Casi todos los artistas están atrapados en redes insulares y no verán aumentar su valor. Para los coleccionistas que estén puramente interesados en ganar dinero, deberían centrarse exclusivamente en los artistas y galerías que forman la población de la tierra santa. Sin embargo, si les interesa coleccionar arte por cualquier otro motivo (y consideran una guinda si el artista aumenta de valor), todo el mercado del arte puede ser su coto de caza.
CT: ¿Ha cambiado esto la transparencia de precios y la liquidez que facilitaron las NFT?
MR: Muchos de los que compraron NFT como inversión no pudieron obtener beneficios con ellas. Pasaron a otras inversiones. Y cuando se desvaneció el bombo publicitario, los verdaderos ganadores fueron los que compraron obras que les gustaron y con las que querían vivir. También se aprecia otro fenómeno: actualmente asistimos a la fusión del mercado del arte tradicional y algunos artistas digitales que tuvieron éxito durante el bombo de la NFT. Beeple, Dmitri Cherniak, Tyler Hobbs, Casey Reas y Artblocks, que vendían exclusivamente en plataformas digitales como OpenSea y se dirigían a un público cripto-nativo, han empezado ahora a exponer sus obras con actores tradicionales establecidos en el mercado del arte, como Pace Gallery. Una representación por parte de Pace Gallery, que forma parte de la tierra santa, les ayudará a manifestar su valor, incluso después de que el revuelo y sus criptocompradores hayan desaparecido.
CT: Si el arte no es una buena inversión, ¿por qué deberíamos comprarlo?
MR: Después de haber analizado muchos datos sobre el mercado del arte, una estrategia para coleccionar que ha demostrado ser la más eficaz es comprar lo que te gusta, ya que lo más probable es que nunca ganes dinero con el arte que compres. Yo lo llamo “compra responsable”: la noción de que comprar arte no es sólo un intercambio de valor monetario, sino también un acto filantrópico. En lugar de invertir dinero en un bien, lo dono, sabiendo que, con toda probabilidad, no podré revender la obra. Pero, al comprarla, estoy apoyando a la artista para que pueda seguir creando arte, lo que inspira a su comunidad a continuar con esta forma esencial de la creatividad humana. Para mí, es una forma de hacer el bien, y viene con un objeto que me encanta y una historia que contar.
Source: COIN TELEGRAPH
